Medios de grabación y reproducción del sonido

Vamos a hacer un interesante recorrido desde los aparatos de reproducción mecánica, pasando por el invento del fonógrafo en 1878 hasta los modernos dispositivos móviles de nuestros días. Una evolución que nos hará reflexionar sobre la suerte que tenemos en estos momentos de poder escuchar y disfrutar de la música en cualquier momento y con gran calidad. Para ello os presento un mapa conceptual interactivo elaborado por Mª Jesús Camino, con las etapas de la historia de la grabación, tenéis las fechas, los aparatos y unas fotografías de muestra. También aparece un link en el título a la página “Música enlatada”, estupenda para trabajar este tema.



Aparatos de reproducción mecánica del sonido
La posibilidad de grabar y reproducir los sonidos ha sido uno de los sueños más ansiados por el ser humano desde la antigüedad.  Numerosos testimonios en cuentos o relatos más o menos fantásticos hablan de palabras congeladas en el hielo que al calentarse con las manos se convertían en sonidos, de esponjas mágicas que grababan todo lo que se hablaba delante de ellas y lo reproducían al ser apretadas, de libros que dando cuerda a una máquina y colocando una aguja en el capítulo deseado, lo leían en voz alta.
El sueño de la grabación del sonido no se hará realidad hasta finales del s. XIX. Sin embargo, la posibilidad de reproducir sonidos sin intervención directa del ser humano se remonta a varios siglos atrás con la fabricación de distintos instrumentos mecánicos o automáticos.

Pianola

                                    

Organillo


Cajas de Música


El primer aparato que podía grabar y reproducir fue el fonógrafo, ideado por Thomas Alva Edison, en 1878, contribuyó profundamente al avance tecnológico del mundo contemporáneo con sus más de mil inventos, dejando esta maravilla que marcó un paso importantísimo en las bases de la industria musical y medios de comunicación.

Fonógrafo

Los primeros fonógrafos que utilizaban los cilindros recubiertos de estaño sólo permitían realizar grabaciones cortas, en términos de minutos de duración. Sin embargo, más tarde fueron sustituidos por unos cilindros recubiertos de cera sólida que permitía una mayor calidad y durabilidad.
Os dejo un vídeo de Youtube para que podáis ver como funciona y suena un fonógrafo.

A pesar que desde 1877 se desarrollaron múltiples aparatos similares al fonógrafo y surgió el boom de las llamadas “talking machines”, sólo el gramófono en 1896, logró hacer sombra, inventado por Emil Berliner, funcionaba con discos de pizarra y su duración alcanzó los 5 minutos de grabación.

La aparición del plástico supuso un gran avance. Los discos de pizarra dieron lugar a los discos de vinilo, más ligeros y flexibles, en los que la aguja podía dibujar un surco mucho más pequeño (microsurco); así se ampliaba la duración de la música grabada. Los discos de vinilo se podían fabricar en dos formatos:

Long play (LP), que significa larga duración.

                           

Y los de menor duración que recibía el nombre de singles.

Con la aparición del magnetófono, en la década de 1960, hizo que cualquier persona pudiera grabar y reproducir música en su propio domicilio. El sonido se registraba magnéticamente en una cinta de plástico. Al principio, se necesitaban voluminosos aparatos, pero tiempo después se comercializaron pequeños magnetófonos portátiles.

                                                                                                        Magnetófono

Durante cien años, los sistemas de grabación y de reproducción buscaron un sonido perfecto. En la década de 1980 se dio un paso gigantesco con la grabación y reproducción digital, que mejoraba la calidad y permitía almacenar hasta 80 minutos de música en un solo CD.

En la actualidad se han popularizado nuevos formatos digitales que, como el MP3, MP4, iPod, teléfonos móviles, etc… permiten de guardar cientos de canciones en pequeños aparatos portátiles.

Acompañamiento para flauta: G

Acompañamiento para flauta: F

Acompañamiento para flauta: D

Acompañamiento para flauta: C

Acompañamiento para flauta: B

Acompañamiento para flauta: A

Componentes de la música: Ritmo, Melodía y Armonía

El grupo B vocal mezcla música y humor en sus actuaciones...
En esta ocasión aprovechan la canción Carolina para explicar cuáles son los elementos básicos de la música: el ritmo, la línea del bajo a la que se añadirán los acordes (armonía) y la melodía principal.
Disfruta de esta canción de M Clan.

Observa que para cantar o tocar la melodía sólo necesitamos una voz, pero para realizar armonía o acordes precisamos 3 ó más (ya sabes que los acordes básicos se componen de 3 sonidos simultáneos).

La melodía
Para muchos oyentes, la melodía es el ingrediente más importante de una obra musical. Básicamente una melodía es una sucesión de sonidos de diferentes alturas (graves, agudos), organizados de tal manera que tengan un sentido musical para el oyente.

La melodía es inseparable del ritmo, puede existir un ritmo sin melodía pero no al revés. Por lo que podremos decir que una melodía es una sucesión de sonidos de distinta altura y duración, animados por un ritmo.

Musicograma "La máquina de escribir" de Leroy Anderson

                    

Hacemos ecos con la flauta

Acompañamiento para flauta. Melodía en La menor

Curiosidades con el Diapasón

                                          

Contaminación acústica

Se llama contaminación acústica al exceso de sonido que altera las condiciones normales del ambiente en una determinada zona. Si bien el ruido no se acumula, traslada o mantiene en el tiempo como las otras contaminaciones, también puede causar grandes daños en la calidad de vida de las personas si no se controla adecuadamente.

El término contaminación acústica hace referencia al ruido (entendido como sonido excesivo y molesto), provocado por las actividades humanas (tráfico, industrias, locales de ocio, aviones, etc.), que produce efectos negativos sobre la salud auditiva, física y mental de las personas."

Os presento este excelente Wix elaborado por Mª Jesús Camino donde se reúnen  6 vídeos  sobre los efectos de la contaminación acústica en nuestra salud a medida que aumentan los decibelios:

                                    

John Cage y la cámara anecoica

¿Existe el silencio absoluto? ummmm.... en clase lo hemos intentado averiguar...imposible... y ¿si nos fuéramos al campo?... quizás ¿en el desierto?...¿y si nos metiéramos en una cámara anecoica? (ein?? qué es eso????) ¿podríamos oír el silencio?

Todas estas preguntas ya se las hizo el compositor norteamericano JOHN CAGE (1919-1992) y para saciar su curiosidad se introdujo en una cámara anecoica similar a la que tenéis en la imagen. Es una sala diseñada con unos materiales (espumas porosas, fibra de vidrio) que absorben el sonido de tal manera que, en su interior, se podría oír el silencio. Pero.....

John Cage se encontró con que, una vez en su interior, percibía dos sonidos: uno alto y otro bajo. El primero era ¡¡su sistema nervioso!! sí, sí....¿se pueden oír las neuronas????...El segundo, la sangre circulando por sus venas y los latidos del corazón!!!!
¿Cómo os habéis quedado???? Entonces... ¿se puede oír el silencio?... ¿sabéis ya la respuesta?
RESPUESTA CORRECTA:

Según John Cage, no hay manera de experimentar el silencio mientras se esté vivo. Entonces, "el silencio es la pérdida de atención... es el abandono de la intención de oír".
A partir de este experimento, John comienza a introducir el concepto de silencio en sus obras sabiendo que en estos momentos se producirán eventos sonoros como la tos del público, ruidos... los cuales él considera parte de la obra.
La obra más conocida y sorprendente es la titulada 4´33´´ se trata de una obra sin número determinado de intérpretes (hay varias versiones: para orquesta, para piano solo...) en la cual éstos deben de estar en silencio durante 4 minutos y 33 segundos. El resultado??? los sonidos que produce el público!!!
Yo siempre recordaré a mi profesor cuando nos contó que, en un programa de radio que él realizaba, estrenaron dicha obra, ¿os imagináis la que se lió?... 4´33´´ minutos en silencio... ¡¡¡en la radio!!!!.... la gente llamaba preocupada porque no podían "oír" la obra...
En fin, aquí podéis ver una de las muchas versiones que circulan por Youtube:

El sonido

El tema del Sonido es un tema obligado al principio de curso ya que necesitamos conocer la materia prima con la que se elabora la música. Es un tema interesante y amplio, por eso vamos a comenzar por conocer la parte física...

¿Qué es realmente el sonido? ¿Cómo se produce y transmite? ¿Qué sonidos puede escuchar el oído humano? etc. En esta ocasión quiero presentaros este tema con un recurso nuevo, un excelente wix elaborado por José Luis López y Juana V. Fernández del IES La Zarza de Badajoz (Extremadura).

                          

Piratas del caribe

Los chicos del coro. "Caresse sur l'océan"

Titanic

Formas musicales barrocas

En el Barroco se producirá un gran avance en la música instrumental que se igualará en importancia a la música vocal. El gran impulso dado a la música instrumental fue debido al desarrollo técnico de los instrumentos, sobre todo del violín, que se convertirá en protagonista de la orquesta por su agilidad, su volumen y posibilidades técnicas. Otros instrumentos también mejoraron como la flauta, el oboe, el clave, que se convertirá en uno de los instrumentos más populares, tanto en faceta solística, como en su papel de instrumento fundamental en la interpretación del bajo continuo. Otro de los instrumentos que alcanzaron un gran desarrollo fue el órgano, fundamental en el campo de la música religiosa, tanto como solista como para el bajo continuo.

En el Barroco surgirá la orquesta, entendida como un grupo de instrumentos organizados por secciones o familias, en la que la sección de la cuerda (violín, viola, violonchelo y contrabajo) se convertirá en la base misma de la orquesta, en torno a ella se añadirán: flautas, oboes fagots, ocasionalmente trompetas, trombones y timbales. Además de la presencia del clave para la realización del continuo.

• El preludio y la tocata. Piezas breves para instrumentos de teclado.

En el siguiente vídeo se puede apreciar cómo se interpreta en un órgano barroco, la Tocata y fuga en re menor BWV 565, de Bach, que seguramente sea la obra más famosa de la literatura organística de todos los tiempos. 

Observa los cambios de teclado en los diálogos y el uso del pedalero. Fíjate en lo hermosa que es la caja del órgano y, sobre todo, su consola.

• La sonata. Obra para ser sonada, es decir, para ser tocada, por oposición a una obra cantada o cantata. Suele constar de cuatro movimientos, alternando rápido-lento. Se puede escribir para uno, dos o tres instrumentos, e implica la presencia de un bajo continuo, si no se indica lo contrario. No debe ser confundida con la sonata clásica. 

Escucha la sonata nº 2 de J.S. Bach

• La suite. Sucesión de danzas populares, alternando un aire rápido y uno lento. Tuvo su origen en las danzas populares que se cantaban en la Edad Media. En el Barroco se interpretaban con instrumentos y aparecían reunidas en una sola obra. Sus cuatro tiempos basados en aires de danza suelen ser: alemanda, polonesa, bourré y zarabanda. Otros tipos de danza son courante, giga, paspié, minueto, etc.

Escucha de nuevo a Bach "Air" La  Suite N° 3 en Re Mayor

• El concerto grosso. El nombre de concerto, «concierto», viene del vocablo latino concertare, que significa «luchar, disputar, combatir». Un grupo de instrumentos solistas (concertino), generalmente violines, contrasta con el resto de la orquesta (tutti o ripieno). El concierto suele constar de tres movimientos, alternándose los rápidos con los lentos, como sucede en la sonata. El concierto actual, que es una de las más importantes manifestaciones de la música culta, tuvo su origen en el concierto barroco.

Escuchamos a J.S. Bach en el Concierto de Brandemburgo nº 2

• El concerto solista. Similar al concerto grosso, pero aquí solo hay un instrumento solista, lo cual permite un más alto grado de virtuosismo.

Escucha el concierto para flautín y orquesta de Vivaldi

El Rock

Pincha en la imagen

La Lista de Schindler

Jazz latino

Os dejo un vídeo con una  impresionante actuación en el 35 Festival de Jazz de Vitoria de Michel Camilo al piano, Giovanni Hidalgo en las congas y Anthony Jackson en el bajo.

El jazz

El jazz es un género musical nacido entre los músicos afroamericanos descendientes de antiguos esclavos, que sumaron a su propia tradición, caracterizada por un fuerte protagonismo del ritmo y la improvisación, algunos elementos de la música europea (armonía, forma, instrumentos, etc.).

Nina Simone- "Don't let me be Misunderstood" (1964)

El jazz está considerado como la más importante contribución de la cultura afroamericana a la música del siglo XX. Del jazz surgirán las bases musicales para el rock y, en mayor o menor medida, ha influenciado sobre el resto de los estilos musicales.

Características generales

La improvisación: la improvisación es uno de los elementos esenciales del jazz. Improvisar es componer la música al tiempo que se interpreta, pero no parten de cero, se improvisa sobre melodías, armonías y ritmos que se conocen de antemano. Así, en una pieza, los instrumentos melódicos (trompeta, clarinete, saxofón, etc.) interpretan la melodía completa, sobre el acompañamiento rítmico y armónico que realizan la batería, el contrabajo, el piano, etc. A continuación los instrumentos melódicos comienzan a improvisar sobre dicho acompañamiento que les sirve de guía.

Al improvisar se crean nuevas melodías, bien adornando las existentes, creando líneas melódicas nuevas, etc. Los temas que se van tocando, constituyen a la vez la base para nuevas improvisaciones. Un aspecto básico a tener en cuenta, es que cada improvisación es personal, subjetiva, y por lo tanto una forma libre de expresión del músico.

El ritmo: el jazz se caracteriza por su riqueza y complejidad rítmica, basada en la polirrítmia (diferentes ritmos que se interpretan al mismo tiempo), en los contratiempos y sobre todo en el uso de la síncopa que es la acentuación de los tiempos débiles del compás.

La utilización de las notas “blue”: que consiste en interpretar un semitono más grave las notas tercera, quinta y séptima de una escala diatónica (en la escala de Do mayor, las notas blue serían, mi bemol, sol bemol, si bemol).

La instrumentación del jazz se caracteriza por: la forma peculiar de interpretar en los instrumentos imitando el canto vocal, la revalorización de los instrumentos de viento- metal, la incorporación del saxofón y el uso de las sordinas.

En el siguiente vídeo vamos a repasar  los diferentes instrumentos utilizados en los grupos de Jazz.





El vídeo es de Andy Dupont y la música de Duke Ellington. ¡Disfrutad!
Jazz Club from Dupont Andy on Vimeo.

En el siguiente vídeo de Dave Brubeck Quartet podéis comprobar todas las características de este estilo musical. Interpretan el tema "Take Five" que es una composición de jazz creada por Paul Desmond. Como singularidad os diré que está compuesto en un compás inusual de 5/4 —de allí deriva el nombre de la canción—.



La trompeta mágica

Este estupendo corto de animación está ambientado en los años posteriores a la gran depresión del 29, momento en el que se origina el Swing (estilo de jazz en el que destacaron músicos como Fletcher Henderson, Benny Carter o Ella Fitzgerald) y época cargada de grandes disputas raciales. Nueva York, 1930. Harry, un barbero racista cambiará su actitud tras descubrir una trompeta mágica. Espero que os guste

Fiesta Pagana y compás de 6 por 8

Vamos a trabajar el compás de 6/8 y nada mejor que esta canción de Mago de Oz que todos conocéis. Os presento una página Wix de  Juan Carlos de Miguel, del blog “Ad Musica Faciendum” que tiene el acompañamiento instrumental en dos versiones: lenta y rápida.

Actividades sobre agrupaciones instrumentales

             
Haz clic en la imagen

                          

Somewhere over the rainbow

                        


Pincha AQUÍ para ver la partitura

Apuntes sobre agrupaciones instrumentales

Aunque hay muchos intérpretes solistas, normalmente en Música, desde el inicio de los tiempos, las personas han preferido tocar y cantar en grupo.


               

Las agrupaciones instrumentales se suelen clasificar según el número de instrumentos, tipo de instrumentos y estilo musical que interpretan.

                         

A. PEQUEÑOS GRUPOS

1.- Agrupaciones que interpretan música clásica

Son formaciones que no superan los diez instrumentistas. Se llaman también Grupos de Cámara. El nombre de las distintas agrupaciones depende del número de integrantes, así podemos distinguir, dúos, tríos, cuartetos, etc.

- DÚO: Está formado por dos instrumentos. El dúo de violín y piano es uno de los más famosos.

- TRÍO: Formado por tres instrumentos. El integrado por violín, violonchelo y piano, es el trío más usado en la historia de la música.

- CUARTETO: Es la agrupación formada por cuatro instrumentos. El llamado cuarteto de cuerda que está formado por dos violines, viola y violonchelo, es la agrupación de cámara más importante de la historia de la música.

- QUINTETO, SEXTETO, SEPTIMINO, OCTETO y NONETO: son otras agrupaciones formadas por cinco, seis, siete, ocho y nueve instrumentos respectivamente. Los instrumentos que lo integran pueden ser variados.

2.-Agrupaciones que interpretan otros estilos musicales

- GRUPO POP-ROCK: la formación más clásica la constituye una batería, guitarra rítmica, guitarra solista y bajo eléctrico. Hoy en día se incorporan también teclados, sintetizadores, ordenadores, etc.

- GRUPO JAZZ: Las agrupaciones de jazz pueden ser muy variadas en cuanto a número y tipo de instrumentos. Podemos encontrar los siguientes instrumentos: batería, contrabajo, piano, clarinete, saxofón, trompeta, trombón, tuba.

- GRUPO FOLK: Dentro del folclore de cada lugar, varía mucho la composición de las agrupaciones instrumentales, y dependen de muchos factores, como pueden ser las diferentes culturas (africanas, asiáticas, hindúes, europeas, etc.), estilos musicales (Celta, Country, Flamenco, música latina, etc.), etc.

B. GRANDES GRUPOS

Son formaciones de mayores dimensiones. Dependiendo de su composición y estilo, distinguimos los siguientes:

1.- Agrupaciones que interpretan música clásica

- ORQUESTA de CÁMARA: El número de instrumentos es muy variable y oscila entre 10 a 25 componentes. Cuando una orquesta de cámara está compuesta sólo por la cuerda se denomina indistintamente orquesta de cuerda o de cámara. Pero una orquesta de cámara puede tener algunos instrumentos de viento o percusión.

- ORQUESTA SINFÓNICA O FILARMÓNICA: Es la más importante agrupación dentro de la música occidental. Suele estar formada por 60 a 100 músicos.Se compone de cuatro secciones: Cuerda, Viento madera, Viento metal y Percusión.A veces también interviene un coro.
Las secciones se colocan con el siguiente orden: primero la de cuerda, detrás la de viento-madera, después la de viento-metal y por último la sección de percusión. En el caso de haber un solista se colocará delante y a la izquierda del director. Si a la orquesta se le añade un coro, se situará detrás de ella y delante las voces femeninas y detrás las masculinas.

                               

2.-Agrupaciones que interpretan otros estilos musicales

- BANDA: La banda es una agrupación de instrumentos de viento madera, viento metal y percusión. Suelen desfilar mientras tocan. Tiene un número variable de intérpretes (entre 35 y 85 músicos). Una agrupación similar a la banda es la FANFARRIA pero ésta no incluye instrumentos de viento madera.

- RONDALLA: Está formada por instrumentos de cuerda punteados como guitarras, bandurrias, laúdes, etc.

- BIG-BAND (Jazz): Grandes formaciones que presentan una sección rítmica con el piano, contrabajo, batería, guitarra y percusión, y una sección melódica con trompetas, saxofones, trombones, y clarinetes. Fueron las agrupaciones más típicas en los años treinta, época dorada del Swing.

Agrupaciones orquestales

Ahí os dejo otro trabajo sobre Agrupaciones instrumentales. Es de una profesora llamada Reyes Lobo Moreno, es muy claro y tiene una serie de actividades que os pueden ayudar de cara al examen.
Los instrumentos musicales se pueden agrupar de formas muy diversas, desde un instrumentista solo, pasando por una pequeña agrupación o la unión de una gran cantidad de instrumento. Vamos a ver cómo se llaman según el número de instrumentos y según el tipo de instrumentos.

                        

Director y concertino

El Director en la Orquesta, cumple la función de dirigir a instrumentistas y cantantes en la interpretación de una obra musical. Los directores modernos suelen utilizar gestos con la mano: usan la derecha para indicar la métrica (la cantidad de pulsos por compás) y el tempo (la velocidad), mientras que la izquierda señala las entradas de los diferentes instrumentos y se utiliza para comunicar aspectos de la interpretación musical, como son los cambios de intensidad o volumen. La mano derecha se mueve según unos patrones reconocidos de dos, tres, cuatro o más pulsos por compás. Los directores de los conjuntos instrumentales suelen usar una batuta, aunque es raro que se utilice para grupos reducidos de cámara o para dirigir a un coro.
El Concertino, es el primer violín de la orquesta, se coloca a la izquierda del director. Actualmente es como el ayudante del Director, es su más directo colaborador. Y desempeña las siguientes funciones:
*Cuidar el estado general de la afinación de la orquesta.
*Afinar la orquesta en los ensayos y en los conciertos.
*Contribuir a la disciplina artística de la orquesta en los ensayos y los conciertos e interpretar los pasajes a solo.
*Sustituye al Director en orquestas pequeñas.
*Por indicación del Director titular pueden realizar ensayos con la orquesta total o parcialmente.

Clasificación de los instrumentos de la orquesta